Lo mejor de la semana: lanzamientos que no podés dejar pasar

Monsieur Mellow, Shai Wetzer ft. Mike Cefalo, Hot Gritz, Ruti, J MESA, tbh, Andrea Magee, Max Maryott, Tom A. Smith, Alyssa Caroline, Kevin Sloan, Mothers Favorite Child y Zee Dyasi y Thirsty Curses.

Quince lanzamientos, quince motivos para subir el volumen. Esta semana la redacción de Zone Nights armó una selección que viene con música para todos los gustos, indie pop, soul, americana, rock alternativo, indietrónica y mucho más. Desde canciones que llegan con toda la energía hasta las que prefieren instalarse despacio y quedarse. Algo para cada momento y cada estado de ánimo.

Todas las pistas ya están disponibles en las principales plataformas digitales como Apple Music y vía streaming por Spotify.

Subí el volumen.

Es una presentación exclusiva de Zone Nights para Argentina.

Enjoy!

Monsieur Mellow – «Dreaming In Colour»

Monsieur Mellow llega con «Dreaming In Colour», la pista que da nombre a su EP debut, y lo hace con una propuesta que no encaja en una sola etiqueta pero que se entiende de inmediato en cuanto empieza a sonar. Indietrónica con alma R&B, diseñada para escuchar con atención y sin prisa.

Esta pieza es un testimonio de la visión integral del artista australiano, Callum MacDonald, integrante del grupo australiano daste., quien no solo escribió y produjo el tema, sino que también se encargó de la mezcla y de todo su concepto visual.

La base electrónica tiene la precisión de la indietrónica más sofisticada pero la calidez viene del R&B y del soul que respira por debajo de cada capa. Sintetizadores, samples y una producción independiente que prioriza la atmósfera por encima del impacto inmediato.

«Dreaming In Colour» es electrónica introspectiva para escuchar con los ojos cerrados.

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Shai Wetzer ft. Mike Cefalo – «World Traveller»

Shai Wetzer se ha unido a Mike Cefalo para presentar «World Traveller», una propuesta expansiva construida sobre la distancia y lo que se hace con ella cuando no queda más opción que sostenerla.

La canción parte de una premisa íntima y de resonancia universal, mantener vivo un vínculo cuando el espacio físico se interpone. Shai construye ese territorio con metáforas que miran hacia el cielo y las estrellas como puntos de referencia; un recordatorio de que la conexión no depende de la proximidad para seguir siendo real.

La producción acompaña esa búsqueda con una atmósfera envolvente que se siente, a la vez, inmensa e íntima. Existe una tensión entre la densidad del sonido y la delicadeza de la letra que «World Traveller» sostiene con criterio de principio a fin. Los pasajes instrumentales no interrumpen, sino que amplían, creando espacios donde la emoción puede respirar sin que la voz tenga que llenar cada silencio.

El cierre minimalista y abstracto es la decisión más arriesgada y acertada. Shai Wetzer y Mike Cefalo eligen terminar en la atmósfera, apostando por una sensación que envuelve y perdura.

«World Traveller» es para escuchar con calma y sin interrupciones.

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Hot Gritz – «Back on Paved Road»

Hot Gritz llegan con «Back on Paved Road» y traen consigo una sensación que todos buscamos alguna vez, la de conducir durante horas con un destino claro y los pensamientos moviéndose más rápido que el paisaje.

Americana con alma de ruta y una narrativa que no necesita grandes giros porque la honestidad del recorrido ya es suficiente. La canción describe ese estado particular de quien maneja sabiendo exactamente adónde quiere llegar pero sin poder evitar que el camino traiga todo lo que dejó atrás. Los años, las personas que cambiaron, los recuerdos que persisten aunque el tiempo haya desgastado casi todo lo demás.

Hay una foto en el tablero del auto que lo dice todo sin necesitar explicación. Esa imagen pequeña y concreta es el tipo de detalle que convierte una canción de carretera en algo más. Hot Gritz entienden que las grandes emociones viven en los detalles cotidianos y «Back on Paved Road» lo demuestra con cada verso.

El estribillo no promete llegadas fáciles sino esfuerzo constante, la disposición de hacer lo necesario para volver al lado de alguien que vale ese trayecto. Americana con raíces profundas y un tono melancólico que acompaña sin pesar demasiado.

Una canción para poner cuando la ruta es larga y el pensamiento necesita espacio para moverse.

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Ruti – «I’ll Be Your Friend»

Ruti está de estreno. La cantante nos presenta su nuevo sencillo «I’ll Be Your Friend» el cual viene acompañado de su videoclip oficial. Una propuesta íntima y contemplativa que celebra la amistad que permanece cuando todo lo demás tambalea.

La canción construye su universo sobre un compromiso que simplemente se cumple. Estar cuando duele, cuando los cambios llegan sin aviso, cuando la vulnerabilidad no tiene forma de esconderse. Ruti describe esa presencia con una honestidad que no busca mérito sino conexión, con la naturalidad de quien sabe que lo más valioso no siempre hace ruido.

La producción acompaña ese espíritu con una calidez orgánica que centra toda la atención en la voz. Hay algo profundamente honesto en esa decisión de producción que refuerza exactamente lo que dice la letra, la cercanía no necesita adornos para sentirse real.

El videoclip amplía esa propuesta mostrando a personas distintas en momentos distintos, recordando que la conexión humana no tiene una sola forma ni un solo contexto. «I’ll Be Your Friend» es pop alternativo confesional que se instala despacio y se queda mucho tiempo después de que termina.

Una canción para compartir con esa persona especial que siempre está ahí cuando la necesitamos.

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J MESA – Untitled (fọláṣadé)

J MESA lanza «Untitled (fọláṣadé)» y llega con una de las propuestas más singulares y personales de la semana. Es soul con una vulnerabilidad romántica que no se esconde, sino que se presenta con la honestidad de quien sabe exactamente lo que siente, aunque todavía no encuentre una respuesta del otro lado.

La canción habita ese espacio incómodo y familiar de la espera. Hay una interpretación vocal que parece mirar el tiempo pasar mientras busca una señal, recordando los consejos de quienes mejor la conocen para no entregar el corazón sin cuidado. Esa cautela no es frialdad, sino la autoprotección de alguien que ya sabe lo que cuesta equivocarse y prefiere la claridad de las palabras antes de avanzar a ciegas.

Detrás de esa prudencia hay algo difícil de controlar y explicar, la conexión entre dos personas no es producto del azar. El artista sostiene magistralmente esa tensión entre la razón y el deseo con una entrega absoluta. El cierre instrumental y vocal no busca resolver la incertidumbre, sino que la amplifica con una intensidad que comunica mucho más de lo que cualquier letra podría expresar. «Untitled (fọláṣadé)» es una pista con alma propia y una emoción que persiste mucho después del silencio final.

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tbh – «Out of Fashion»

tbh llega con «Out of Fashion», un sencillo indie pop envuelto en una energía vibrante que explora, con una lucidez casi incómoda, lo que realmente cuesta soltar aquello que todavía pesa, incluso cuando la lógica más elemental dicta que ya debería ser parte del pasado. Es una propuesta que no intenta romantizar la dificultad del adiós, al contrario, la nombra con una honestidad directa que descoloca al oyente desde los primeros minutos.

En «Out of Fashion» habita la voz de alguien que reconoce que, en otro momento de su vida, habría cortado el vínculo sin dudarlo ni un segundo. Es el retrato de quien sabe perfectamente lo que debería hacer y, sin embargo, se descubre extrañamente aferrado a algo que describe como vital sin poder explicar del todo las razones. Esa contradicción constante entre lo que se sabe racionalmente y lo que se siente de forma visceral es el corazón emocional de este sencillo. tbh sostiene magistralmente este conflicto con una producción impecable que no permite que el ritmo afloje en ningún momento, creando un contraste fascinante entre la profundidad del mensaje y la ligereza del sonido.

El videoclip oficial complementa esta visión con una estética contemporánea y minimalista que refuerza el relato sin necesidad de sobreexplicarlo. «Out of Fashion» se consolida como una pista con gancho y profundidad, de esas que, por su energía contagiosa y sus capas sonoras, te invitan a darle play una y otra vez.

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Andrea Magee – «Don’t Let It Define You»

Andrea Magee presenta «Don’t Let It Define You», una pista de folk alternativo profundamente introspectiva que toma el dolor del pasado y lo transforma en un mantra de resistencia, aquello que te ocurrió no tiene que ser lo que determine quién eres hoy. La canción no es solo un descargo, sino un refugio sonoro construido para quienes necesitan reconciliarse con su propia historia.

«Don’t Let It Define You» recorre ese trayecto con una honestidad que no se apresura, permitiendo que cada instrumentación acústica respire. Hay un reconocimiento valiente del abandono, del corazón roto y de esos momentos en los que la oscuridad no era una metáfora, sino la descripción más precisa disponible de la realidad. Sin embargo, Andrea no se queda en el lamento, utiliza esos cimientos para edificar algo mucho más valioso, la comprensión de que sanar lleva tiempo, que ese tiempo no es sinónimo de debilidad, sino una parte fundamental y necesaria del proceso humano.

A medida que avanza, la producción orgánica va ganando cuerpo hasta llegar a un cierre donde la entrega vocal libera todo lo que venía acumulando, convirtiendo la catarsis en el punto de llegada de un recorrido emocional genuino. «Don’t Let It Define You» es esa clase de canción que promete acompañar sin juzgar, recordándote en cada compás que volver a abrirse al mundo y dejarse amar es, quizás, la forma más valiente y definitiva de sanar.

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Max Maryott – «Cold in California»

Max Maryott llega con «Cold in California» y trae consigo esa dualidad punzante que el nombre ya adelanta. Este sencillo de pop alternativo explora la grieta entre lo que se imagina y lo que realmente se encuentra, esa distancia insalvable entre la imagen idealizada de un destino y la cruda realidad de lo que cuesta establecerse allí mientras se persigue un sueño. La canción no intenta romantizar la ambición ni el éxito, sino que los muestra como realmente son.

En «Cold in California» Max describe momentos de distracción y la sensación de avanzar hacia un objetivo sin estar del todo seguro del rumbo, reflejando un esfuerzo que no siempre se traduce en resultados inmediatos. Su interpretación vocal transmite una melancolía que no paraliza, sino que reconoce y acepta la complejidad del camino sin rendirse ante ella. Es el retrato de una perseverancia lúcida, lejos de los clichés del optimismo vacío.

La metáfora del frío californiano funciona magistralmente en dos niveles simultáneos, por un lado como una observación literal sobre un lugar que no siempre cumple lo que promete y como una descripción emocional de esos momentos en los que la calidez que se busca, ya sea profesional o personal, simplemente no aparece por ningún lado. Esa ambigüedad es lo que le da peso a «Cold in California», transformando una historia sobre la ambición en algo mucho más humano, una canción que se siente como propia y que se queda dando vueltas en la cabeza.

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Tom A. Smith – «Put On A Record Tommy»

«Put On A Record Tommy» es lo nuevo de Tom A. Smith. Un sencillo de buenos sonidos indietrónica producida e interpretada íntegramente por él mismo, que cuenta con la poderosa participación vocal de Rowetta Osa Idah. En poco más de tres minutos, la canción logra recorrer el complejo camino que va desde el aislamiento más absoluto hasta la liberación definitiva, utilizando como motor el único recurso que parece no fallar nunca cuando todo lo demás se detiene, el simple acto de poner música.

Comienza desde un lugar de agotamiento genuino y cotidiano. El escenario es el baño, frente a un espejo empañado, bajo la presión asfixiante de tener que dar un buen espectáculo cuando, por dentro, sentimos que no queda mucho por mostrar. Tom describe este estado de vulnerabilidad sin caer en dramatismos innecesarios, pero con una precisión que conecta de inmediato con cualquier persona que haya sentido alguna vez esa distancia insalvable entre las expectativas externas y la energía real que tiene para ofrecer.

Y es entonces cuando sucede la magia del cambio. La música irrumpe, las capas sonoras comienzan a acumularse y lo que antes era quietud y pesadez se transforma en un movimiento liberador. «Put On A Record Tommy» no pretende resolver los problemas externos, pero logra algo mucho más trascendental, nos recuerda que el ritmo tiene el poder de transmutar el estado de ánimo cuando nada más parece funcionar.

«Put On A Record Tommy» es un compañero ideal para la esas noches de catarsis, sin dudas, lo tenés que probar.

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Alyssa Caroline – «Clouds»

Alyssa Caroline presenta «Clouds», una pieza de pop alternativo melancólico e introspectivo que nos invita a instalarnos, aunque sea por unos minutos, en ese territorio difuso donde el amor y el miedo conviven sin que ninguno de los dos logre imponerse del todo. La canción explora con una delicadeza punzante la dificultad de abrirse emocionalmente cuando las experiencias pasadas han construido muros tan altos que no se derrumban con un simple gesto de buena voluntad.

«Clouds» navega esa tensión interna con una honestidad que no busca resoluciones limpias ni finales apresurados. En su letra, se percibe una confusión genuina ante alguien que parece decir todas las palabras correctas, esa lucha constante por intentar separar la verdad presente del eco de lo que dolió en el ayer. Sin embargo, en medio de esa marea de dudas, aparecen los momentos del estribillo donde la metáfora de las nubes cumple exactamente lo que promete, elevar la canción, brindar una paz necesaria y hacer que el oyente se sienta seguro, aunque sea por un instante fugaz.

Lo que realmente distingue a «Clouds» es un cierre que no evade la realidad, sino que elige la vulnerabilidad. A pesar del temor latente, de los muros defensivos y de la posibilidad real de arruinarlo todo bajo el peso de las propias inseguridades, la artista decide avanzar. Alyssa nos entrega una balada confesional que se siente como tener acceso al diario íntimo de alguien que, paso a paso, está aprendiendo el difícil arte de volver a confiar.

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Kevin Sloan – «Levittown»

Kevin Sloan irrumpe en la escena con «Levittown», y lo hace desde un lugar de absoluta autenticidad, sin intentar convencer a nadie. Se trata de un sencillo de rock alternativo que logra ser crudo y melódico al mismo tiempo, navegando con maestría esa tensión constante entre lo áspero de sus guitarras y lo accesible de su composición. Es precisamente ese equilibrio lo que define a este material, que además es el encargado de abrir su nuevo álbum de estudio Walt Whitman Road, estrenado el 30 de abril de 2026.

«Levittown» llega cargada con la honestidad de una canción que no se preocupa demasiado por las impresiones externas o las modas pasajeras. Hay algo fascinante en su textura, suena profundamente trabajada pero evita ese pulido excesivo que a veces le quita el alma al rock. Es un tema que se siente personal y cercano, pero que al mismo tiempo tiene la apertura necesaria para que cualquiera pueda proyectar sus propias historias en él.

Con este lanzamiento, Kevin establece un tono sólido, con carácter y, por sobre todo, con algo genuino para decir. Es un arranque que no necesita artificios para generar las expectativas correctas, recordándonos que, a veces, la propuesta más radical es simplemente sonar real.

Disponible en nuestro playlist MATEANDO 🧉

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Andrea Magee – «Keep Falling»

Andrea Magee vuelve a aparecer en esta selección, pero lo hace desde un lugar emocional y sonoro completamente diferente al de su sencillo anterior. En «Keep Falling», la artista se sumerge en un estilo americana profundo para hablarnos sobre el agotador ciclo de enamorarse, perder y volver a preguntarse, frente al espejo, cuándo se detendrá finalmente ese patrón de repetición. Es una pista que se siente como una confesión a media luz, donde la instrumentación orgánica cede todo el protagonismo a la narrativa.

«Keep Falling» describe con una crudeza hermosa un hogar lleno de grietas que se intentan disimular y a una persona que, a pesar de estar rota, sigue eligiendo la espera como camino. En esa paciencia no hay resignación pasiva, sino una apuesta valiente por la autenticidad, existe la convicción interna de que si logra entregarse de verdad, sin armaduras ni miedos, el ciclo podría romperse para dar paso a algo real.

Las metáforas que utiliza la artista son tan cotidianas como precisas, logrando esas imágenes que no buscan impresionar por su complejidad, sino por su capacidad de describir la realidad con la mayor honestidad posible.

«Keep Falling» es una historia personal que, gracias a la interpretación sentida de Andrea, se convierte en un espejo donde cualquiera puede reconocer sus propias cicatrices.

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Mothers Favorite Child y Zee Dyasi – «Vacation»

Mothers Favorite Child y Zee Dyasi se han unido en el estudio para dar vida a «Vacation», una pieza neo soul exquisitamente producida por Paris Mark Toon. Desde los primeros compases, la canción despliega una calidez envolvente que no necesita de grandes artificios para justificarse, simplemente está ahí, reclamando su espacio con una naturalidad que promete encender de inmediato cualquier lista de favoritos que busque calidad y sentimiento.

La propuesta invita a la desconexión total sin necesidad de pedirlo de forma explícita. Existe una atmósfera de refugio muy lograda en «Vacation», esa intención de querer convertirse en el lugar seguro donde alguien puede, finalmente, dejar de correr por un momento para simplemente dejarse llevar. En este escenario, Zee Dyasi entrega una interpretación vocal madura y magistralmente controlada. Su voz aporta una profundidad emocional que parece fluir sin esfuerzo visible, recordándonos a esas grandes intérpretes que no necesitan forzar el registro para llegar al centro del oyente.

La instrumentación en vivo y las armonías que se entrelazan le otorgan a la producción una atemporalidad que la aleja de las tendencias más pasajeras de la industria. «Vacation» tiene la virtud de sonar como algo que podría haber existido hace veinte años y, al mismo tiempo, como una obra que seguirá vigente.

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Thirsty Curses – «Starting to Remember How Much I Forgot»

Thirsty Curses presenta «Starting to Remember How Much I Forgot», el sencillo principal de su próximo álbum titulado Frank-N-Stein, y lo hace con una propuesta sonora que desafía las etiquetas convencionales, funcionando con una claridad que sorprende desde la primera escucha.

Estamos ante un rock alternativo de tintes agridulces y ligeramente existenciales, una pieza donde la visión creativa de Wilson Getchell, quien escribió, grabó e instrumentó gran parte de la obra, cobra una dimensión única gracias a una instrumentación ecléctica que es imposible de ignorar.

La canción cuenta con la colaboración precisa de J.D. Dizzy en batería y Joe Quail en las voces de acompañamiento, pero es quizás la sección de vientos a cargo de Nic Weaver lo que termina de aportar ese color tan particular y distintivo a la pista. «Starting to Remember How Much I Forgot» explora fragmentos desconectados de la vida diaria, el navegar sin un rumbo fijo y esa envidia cotidiana, casi inevitable, hacia quienes logran que todo parezca mucho más sencillo de lo que realmente es.

Lo fascinante es que no hay un dramatismo pesado en este reconocimiento de la vulnerabilidad, por el contrario, se percibe algo más cercano a la curiosidad genuina, a esa voluntad de seguir observando y probando caminos nuevos aunque no exista una certeza absoluta sobre hacia dónde nos llevan. Con este adelanto, Thirsty Curses establece un precedente de lo que promete ser un disco con mucha profundidad y carácter, demostrando que a veces, en el caos de lo que hemos olvidado, se encuentran las verdades más honestas de nuestro presente.

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tbh – «Leave Me For Good»

tbh tiene la responsabilidad de cerrar esta selección con «Leave Me For Good», y lo hace desde el rincón más melancólico y profundo de los dos sencillos que la banda ha aportado a esta lista. Estamos ante una pieza de indie pop empapada de una nostalgia tangible, que explora el final de una relación que no se derrumbó de golpe, sino que se fue desvaneciendo poco a poco, con una lentitud tan sutil que resulta casi imposible señalar el momento exacto en que la magia decidió marcharse.

«Leave Me For Good» recorre ese trayecto emocional con una honestidad valiente que no pierde el tiempo buscando culpables, sino que intenta encontrar un poco de comprensión entre los restos. Acá conviven los recuerdos luminosos del principio, de cuando todo era diferente y vibrante, con la conciencia incómoda de todo lo que quedó sin decir, esos silencios densos que fueron ocupando, centímetro a centímetro, el espacio que antes llenaba la complicidad. tbh describe esta fase con la sencillez y la templanza de quien ya ha procesado el duelo lo suficiente como para contarlo sin que la voz le tiemble demasiado.

«Leave Me For Good» es un sencillo diseñado para ser escuchado despacio, ideal para esos momentos en los que uno necesita que alguien nombre con precisión lo que está sintiendo, sin exageraciones ni minimizaciones.

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